Ellos sabrán lo que tienen, me refiero a los miles y miles de fans que se generan día a día arrastrados por estas historias de amor y sangre en las que lo diabólico parece adueñarse de parte de sus personajes. Recuerdan de forma actualizada características de la novela gótica: escenarios fantasmagóricos, la nocturnidad, los habitantes de la noche, la vida aparente, las trasformaciones, lo real y lo imaginado, la vida y el más allá de la muerte, … El maquillaje de la nueva estética vampiresca nos quiere hacer pensar que estamos ante nuevos productos pero en realidad simplemente se ha hecho una fusión entre el lado más débil del mundo adolescente, su sentimentalismo amoroso y la pasión por lo esotérico que esos mismos adolescentes siente.

He vuelto a ver justo ayer una película preciosa, del reciente Woody Allen, quizás una de las mejores del director

Una historia de triangulación que se convierte en drama: el joven y prometedor tenista protagonista, Chris Wilton, se encuentra en una relación paralela a su matrimonio. Casado con la mujer perfecta, de familia perfecta, y multimillonaria, Chloe Hewett, se enamora de la americana e “imperfecta” Nola (una guapísima Scarlett Johansson).

Hay momentos en un partido de tenis donde la pelota toca la red, y puede que la cruce, y hemos ganado, o puede caer en nuestra mitad del campo, volcando el resultado, es el leitmotiv de Match Point.

El azar, en palabras del protagonista, cuenta mucho más que el talento, en nuestras vidas, aunque a nadie le gusta admitirlo.

Allen nos regala una lección de cine y de vida, con un guion técnicamente perfecto que no nos deja de hacer reflexionar sobre los eventos y la suerte que tiene su rol durante todo el desarrollo de la película.

Pues a Chris, la pelota, muy bien representada, en el final de la película, bajo forma de anillo, cae aleatoriamente en su campo, pero su resultado final es irónico. ¿Es cierto, que haya ganado a su mujer, su trabajo, su hijo, o que no haya perdido este gran partido, perdiendo Nola y su vida con ella?

]]> http://amipeliculas.com/match-point-cuando-la-pelota-toca-la-red/feed/ 0 http://amipeliculas.com/no-siempre-life-is-biutiful/ http://amipeliculas.com/no-siempre-life-is-biutiful/#comments Sun, 27 Feb 2011 12:11:06 +0000 ginevra http://amipeliculas.com/?p=1418 El último Alejandro González Iñárritu, nace de los fantasmas más escondidos de su autor, y de sus miedos, como él mismo ha declarado. La gran pregunta es “¿Qué hacer, en los 75 días que me quedan en este mundo?”

El director de Amores Perros y 21 gramos nos introduce, esta vez, en la tormentada vida de Uxbal, recorriendo los lugares de una Barcelona oscura, lejos de la playa y del típico turismo barcelonés, hecha por la esclavitud y las inquietudes de sus ciudadanos, entre drogas, prostitución, inmigración y dramas de la mente. No pertenecemos a los lugares, sino a las personas, una de las ideas que la película quiere trasladar al espectador.

El nombre inexacto de la película representa la falta de necesidad de definir y acertar todo en la vida, frente a la muerte y al conocer un mal incurable.

Biutiful, en vez de Beautiful, es la inexactitud: una inexactitud de la explotación, del dolor, y sobre todo la inexactitud de un padre que no quiere dejar a sus hijos. ¿Quien necesita la ciencia exacta, frente a las tragedias?

La grande interpretación de humanidad de Javier Bardem nos toca el corazón, no hay redención, no hay salida. Solo queda el viaje final que atraviesa la enfermedad y la degradación, y quedan las sonrisas de nuestros hijos, nuestra herencia en el mundo. Nos queda una enseñanza impagable: ¿que más da, si nos manchamos al comer? Importante es comer.

A veces ocurre que un Gala como el de los Goya reserve sorpresas a sus asistentes y espectadores…

El favorido  También la lluvia, de Iciar Bollain, se queda con tres: premio actor de reparto para Karra Elejalde, premio a la dirección de producción y para los músicos.

También el inquietante Buried se lleva tres: sonido, montaje y mejor guión original. Dos para la Balada triste de trompeta, de Álex de la Iglesia: maquillaje / peluquería y efectos especiales.

Nuestro orgullo español en el mundo, Javier Bardem, ha sido elegido como mejor actor protagonista, en Biutiful y con su quinta estatuita sigue siendo uno de los que más Goya recibieron, y declara que solo aspira “a seguir trabajando”. ¡Enhorabuena!

Sin embargo, la película que ha desbancado todo pertenece al cine catalán, y ya a conquistado toda España: Pa Negre, de Agustí Villaronga (El niño de la luna, 1989): el director y guionista mallorquín  ganó nueve: mejor director, mejor película, mejor actriz protagonista para Nora Navas y de reparto, Laia Marull, actriz y actor “revelación” fueron Marina Comas y Francesc Colomer; y, si fueran pocos, mejor guión adaptado, dirección artística y fotografía.

La película está basada en la novela Pa negre del escritor Emili Teixidor y la historia nos cuenta la infancia y adolescencia de un chico durante los años ’40… aquí tenéis el Trailer.

Hacía tiempo que no salía de una sala de cine con la sensación de haber disfrutado de una película redonda. El discurso del rey me dejó sin palabras. Desde el repertorio de actores hasta la magnífica labor de recreación histórica llevada por los encargados de la dirección artística, que lejos de aburrirnos con demasiadas referencias al marco histórico, permiten al espectador situarse en el contexto de la acción sin apenas esfuerzo.

En el periodo de entreguerras, el rey Jorge V (Michael Gambon) agoniza en su lecho de muerte. Tras sus pasos reinará el primogénito, Eduardo VIII (Guy Pearce), que pronto abdicará en la figura de su hermano Bertie, Jorge VI (Colin Firth), para casarse con una divorciada de Baltimore. Hasta ahí todo parece normal, sin embargo, Bertie está aquejado de una tartamudez muy traumática desde los cinco años, que le impide articular sus palabras con la fluidez necesaria para dar sus discursos.

Será su mujer, la futura Reina Madre (Helena Bonham-Carter), quien le lleve en la sombra hasta un excéntrico logopeda para intentar paliar este defecto del habla. Los métodos de Lionel Logue (Geoffrey Rush) serán variopintos y poco convencionales y, pese a la reticencia inicial del futuro monarca, pronto su problema empezará a corregirse.

El carácter del rey es bastante susceptible después de arrastrar desde pequeño la burla de su hermano y la presión de su padre para que superase el problema, pues el rey Jorge V confiaba más en Bertie que en su hermano, para legar el cetro del Imperio. Las sesiones entre Logue y el rey seguirán avanzando poco a poco, hasta que llegue un momento de tensión en el que parece que todo se rompe.

La situación en el mundo es cada vez más delicada con el nazismo y el comunismo ascendiendo en su espiral de barbarie y con una Inglaterra que es la única potencia que se puede erigir en la salvadora del mundo. La guerra con Alemania se acerca y pronto el rey Jorge VI tendrá que dar por radio el discurso más importante de su vida, con el que tendrá que unir la fuerza y los ánimos de todos los británicos en el Imperio y las colonias. Con la ayuda del terapeuta y con una confesión de última hora de Winston Churchill (Timothy Spall), que le ayudará a encarar de otra manera el cometido, el rey tratará de dar aliento a las tropas y a los millones de oídos que esperan con suma atención sus palabras.

La cinta es resuelta con una brillantez tan sencilla que asusta, en la que un plantel de actores, tanto protagonistas como secundarios, brillan con luz propia, entre los que destacan los dos protagonistas: Colin Firth –que suena a Oscar- y Geoffrey Rush, que aporta unas dosis de humor muy ácido que agilizan la trama en el punto exacto en el que se hace más necesario.

Sin duda, creo que Tom Hopper puede quedar muy satisfecho con el resultado de su trabajo y con la implicación y el esfuerzo de sus actores. Creo que El discurso del rey se convertirá en su obra maestra. Desde la primera escena, con el fallido y angustioso discurso del todavía príncipe en el estadio de Wembley y las ilustrativas lágrimas de su mujer, hasta el último discurso previo al comienzo de la II Guerra Mundial, la película nos mantiene con la atención activada al cien por cien para conocer un desenlace que, posiblemente muchos ya conocerán, pero que aún así esperan con avidez.

- Todo empezó cuando conocí a una mujer –dice Frank Tupelo.

- Mm, esto empieza a sonar interesante –contesta el policía veneciano.

Y así es. La historia comienza cuando ella, Elise, recibe una carta del misterioso Alexander Pearce. “Sube al tren de las 8.22 en la Gare de Lyon y cuando estés allí, busca alguien de mi apariencia y hazles creer que soy yo”. El encuentro tendrá lugar en ese tren y el elegido será un matemático que lee una novela de misterio, The Berlin Vendetta, y que responde al nombre de Frank Tupelo.

Pongámonos en un contexto más cerrado. Alexander Pearce y Elise Clifton Ward son antiguos amantes, él está buscado por Scotland Yard y ella está intervenida en todos sus movimientos. El motivo: delitos financieros. Elise desconoce la apariencia actual de su amante, que sólo contacta con ella mediante correo, siempre sellado con las iniciales AP, y que le llega cuando menos lo espera.

El tren de las 8.22 viaja desde París, donde había comenzado la acción –con una Jolie paseándose por las calles de un lado a otro con la policía detrás- hasta Venecia, y en el viaje Frank y Elise entablan cierta amistad. Cuando al llegar parece que cada uno tirará por su lado, ella le ofrece acompañarla, algo imposible de declinar por Frank Tupelo, desbordado por la situación.

Entonces empezará a desarrollarse una trama de enredos policíacos, en los que intervendrá un Paul Bettany, que nada recuerda ya al Silas de El código Da Vinci, y algunos secundarios de lujo, como Rufus Sewell o Steven Berkoff.

Será en Venecia cuando entre en acción un misterioso personaje, Reginald Shaw, que por problemas del pasado cambiará por completo el rumbo del viaje hasta el final. A partir de entonces, Venecia se convertirá en una carrera de ratas, una persecución constante y sonante que dejará continuas escenas de acción en las que poco se innova.

Pero no sólo acción contiene este film, también se deja un hueco para el humor (sobre todo con algunos secundarios o con Johnny Depp, que se lleva algunos gestos, tal vez excesivos e innecesarios, del capitán de los piratas del Caribe, Jack Sparrow) o el amor. The tourist supone un juego de personajes en los que, al final, cuesta saber qué papel puede desarrollar cada uno en el juego.

El marco en el que se desarrolla la película es bellísimo. La ciudad se deja querer desde un estudiado segundo plano, aunque adorna a la perfección lo que podemos llamar algo así como cine de catálogo. El director ha sabido aprovechar al máximo lo que ofrecía la canalizada metrópoli.

Por otra parte, la fotografía es exquisita –yo diría que lo más destacable de la película-, y el juego de planos cortos y largos que se realiza durante toda la cinta es perfecto. Sin duda un tratamiento fotográfico bastante mejor de lo que cabía esperar, y que supera con creces un argumento no demasiado potente, aunque aceptablemente tratado y que entretiene bastante.

La historia se romperá con un último giro que sorprenderá al resto. Y con una especie de moralina de uno de los policías, demasiado forzada desde mi parecer, pero muy ilustradora de lo que cuenta la película en todo su metraje. Por supuesto que no es la mejor película de la pareja de Hollywood, ni será la mejor del director –La vida de los otros tiene difícil superación. Sin embargo, está muy bien para pasar un buen rato y para disfrutar con una fotografía sublime y un guión que mantiene la atención del espectador de principio a fin.

Nos encontramos entre dos ciudades: Londres y la fantástica Ciudad Intermedia. El mundo está muy sometido a un cierto oscurantismo y a la voluntad de las religiones. Hay multitud de cultos, de todo tipo, que coexisten en las metrópolis. Puedes ser de la religión que quieras (incluso, como menciona el protagonista, puedes rendir culto al manual de instrucciones de una lavadora), pero eso si: no puedes ser ateo. Sobrevuela la sociedad la obligación de rendir un culto, el que sea.

En este marco, Franklyn nos presenta a cuatro personajes: una estudiante de arte obsesiva (Eva Green) que graba todos sus intentos de suicidio para hacer una especie de proyecto, un justiciero enmascarado (Ryan Philippe) que trata de encontrar al asesino de una niña de once años, alternando Londres y Ciudad Intermedia, un joven melancólico (Sam Riley) que tras romper con su prometida se reencuentra con una antigua novia, y, por último, un padre incansable (Bernard Hill) que busca por toda la ciudad a su hijo enfermo.

El contexto es similar al de otras películas, de las cuales se percibe notable influencia, como V de Vendetta, o Batman, y sobre todo Gotham City, que es muy parecida a la Ciudad Intermedia y al Londres deprimente y gótico que dibuja la película. La paranoia reina en las ciudades y sobre todo en las mentes de los personajes, ya que en esta cinta todos arrastran desequilibrios.

Franklyn es una historia parecida a muchas otras, si bien guarda un punto de originalidad en el guión del que carecen otras, como es el punto de la religión. Sin embargo, la ejecución da lugar a una película un poco deslucida de la que se podría haber obtenido mucho más. Es la típica historia en la que tres vidas aparentemente distintas y sin relación alguna, que al final acaban por juntarse, aunque esta vez lo hacen de una forma un tanto precipitada y no termina de cerrarse bien la trama.

Las tres vidas tienen un elemento común, la locura, que, aunque latente la mayor parte del tiempo, nos hace ver los desequilibrios que llevan a las diferentes actuaciones que tienen lugar por ellos. En algunos momentos existen escenas, incluso, aparentemente rodadas en un hospital psiquiátrico.

Una película que, apuntando muy alto al principio, con una gran presentación de una sociedad interesante y gris, no termina de profundizar en los personajes, ni siquiera en ese ambiente, del que se puede sacar mucho más jugo. Al final puede volverse algo lenta, aunque lo cierto es que esta cinta es destacable en el sentido de que, después de terminar, y durante toda la película, nos hace pensar, dar vueltas a nuestras ideas y estar muy atentos a los derroteros que siguen los cuatro personajes.

“Ninguna lista de los 10 mejores filmes del año es definitiva, y en cualquier caso éste es un ejercicio inevitable, enteramente subjetivo”, escribió Tom Charity, el crítico cinematográfico de la cadena CNN de televisión y de LOVEFiLM.com del Reino Unido.

En Estados Unidos y, dependiendo de donde uno viva, este año se estrenaron en los cines entre 500 (en Nueva York, por ejemplo) y 200 películas, y difícilmente alguien las habrá visto todas.

Con esa salvedad, Charity eligió como las mejores películas de 2010 a Carlos, la historia del terrorista venezolano Ilich Ramírez; el drama del far-west Valor de ley; la obra de Martin Scorsese Shutter Island, la producción de Pixar Toy Story 3; y la película de Danny Boyle 172 horas.

Completan su selección Mother, Winter’s Bone, La red social, Déjame entrar y Exit Through the Gift Shop.

El crítico Russ Simmons, de la cadena FOX de televisión se decantó por La red social, Toy Story 3, Origen, Valor de ley, El discurso del rey, 172 horas, Winter’s Bone, Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres, Hubbie 3-D, e Inside Job.

Shawn Levy, crítico cinematográfico del diario The Oregonian, en la ciudad de Portland, opinó que Babies, un filme que sigue a cuatro niños de culturas diversas en su primer año de vida, encabeza la lista de las mejores películas de 2010, seguido por Cisne negro, The Fighter, El escritor y The Ilusionist.

La lista de Levy se completa con Origen, El discurso del rey, La red social, A Town Called Panic, y Winter’s Bone.

Varios de los títulos se repiten, aunque en diferente orden de preferencia, en la lista del crítico Jack Garner del diario Democrat and Chronicle, de Rochester, en Nueva York, que colocó en primer lugar a 172 horas, seguida por El discurso del rey, La red social, Origen y True Grit.

La selección de Garner se completa con The Company Men, The Illusionist, Winter’s Bone, The Kids Are All Right, y Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres.

En el momento en el que se toca techo y se hace cumbre todo lo que viene después es, necesariamente, un producto venido a menos. Un resto de esa cumbre que cae, a veces estrepitosamente, a veces de manera más sutil. Pues bien, creo que Alex de la Iglesia tocó techo con dos filmes: La comunidad y El día de la bestia. Todo lo que ha venido después, ya lo saben. La etapa postcumbre no necesariamente tiene porque ser mala, no quiero decir tampoco eso, pero aunque se considere aceptable, no es parecida a esos dos techos de su cine.

Esta vez la película comprende un periodo de tiempo convulso en nuestra historia. Comienza con un niño que ve como asesinan a su padre, un payaso preso, mientras trabaja forzosamente en la construcción del Valle de los Caídos, y concluye en el tardofranquismo del asesinato de Carrero Blanco. El niño ve como su padre, el Payaso Tonto (Santiago Segura), es asesinado, y la semilla del dolor y la venganza es sembrada en su subconsciente fatalmente.

Ya de mayor, Javier (Carlos Areces) decidirá coger el testigo de su padre y, siguiendo su consejo, se convierte en Payaso Triste, un payaso que nunca ha sido niño. Los azares de la vida le llevan a un circo dirigido por otro payaso, Sergio (Antonio de la Torre). La familia circense es muy amplia y entre ellos se encuentra una de las estrellas, la acróbata Natalia (Carolina Bang), que dará el giro a la trama. Sergio sale con ella, pero fuera del circo deja de ser un payaso y pasa a ser un ogro: la maltrata a menudo, a la vista de todo el personal del circo. Hay que destacar notablemente los minutos en los que tiene lugar la presentación del circo, que, sin ser nada del otro mundo, me parecieron lo mejor de la cinta. Con una sencillez pasmosa, el director nos adentra en los complejos mecanismos de esta familia ambulante de artistas.

La historia no innova en absoluto: los dos chicos se enamoran de la misma chica, entran en un bucle destructivo y finalmente tiene lugar un episodio que hace que el giro sea absoluto y que sus vidas se separen por completo. Desde entonces ninguno de los dos será el mismo. El circo dejará de ser tal y Javier se convertirá para siempre en Payaso Triste, mientras que Sergio será su némesis. Es muy destacable, para bien, el cambio de actitud que sufren los personajes, ya de por sí excesivos, a lo largo de la película, que dan las razones del futuro círculo de destrucción en el que se involucran.

Las escenas de violencia son descomunales durante todo el metraje, con una carga importante en el acto del giro argumental, donde las trompetas cobran toda la importancia que obtendrán en el film. El problema no es la violencia en sí, sino la excesiva visceralidad y algunas imágenes que, perfectamente, podrían ser eliminadas, pues no aportan nada a la trama, tan solo el morbo y el punto gore que se busca. No obstante, el director transmite un pesimismo y una visión de la humanidad aterradora entre líneas.

El reparto es irregular. Los dos payasos son bastante escalofriantes y tanto Carlos Areces, en un sorprendente papel, como Antonio de la Torre, espeluznante in crescendo, cuadran dos buenas actuaciones. No puedo decir lo mismo de la nueva musa del director, Carolina Bang, que si bien sirve correctamente para su papel de objeto de deseo de ambos, resulta muy sobreactuada en algunos momentos de la película. Del elenco de secundarios destacaría por encima de todos el breve papel de Fernando Guillén Cuervo, interpretando al general republicano Enrique Líster, de manera más intensa y estudiada que algunos protagonistas.

Balada triste de trompeta dibuja un Madrid suburbial y oscuro, alrededor de la polémica cruz del Valle de los Caídos, que despierta antiguos fantasmas de la guerra civil y queda a merced de un guión convulso que tiene puntos sarcásticos muy potentes, y una banda sonora increíble, pero que deja con un sabor de boca agridulce. Una historia muy de Alex de la Iglesia, en cuanto a los payasos, y que tiene una importante labor de inspiración en hitos de su propia filmografía: la escena final recuerda sospechosamente a El día de la bestia, y la protagonista rememora, salvando las distancias, por supuesto, a la Carmen Maura de La comunidad.

“Balada triste de trompeta por un pasado que murió… Balada triste de trompeta de un corazón desesperado…”.

Harry Potter y sus amigos se hacen mayores. Es algo que venimos viendo desde que comenzó la saga de películas, con la que los protagonistas han crecido. La evolución en la trama es similar. Siempre pensé que la saga Harry Potter maduraba conforme se iba llegando al desenlace. Es por ello que me parece una gran obra literaria. Crea un mundo complejo y completo, y además hace sufrir a este cambios y evoluciones (o involuciones).

Esta vez llega a la gran pantalla la primera parte de la séptima entrega: Harry Potter y las reliquias de la muerte. La historia termina de madurar en esta entrega y la guerra que se avecina empieza a palparse con multitud de hechos en el mundo mágico, que recuerdan a los prolegómenos de nuestra ya vivida segunda guerra mundial. Desde siempre pensé que la saga era un fiel reflejo de la etapa de entreguerras, el ascenso del nazismo y ese oscuro periodo histórico.

Harry Potter y las reliquias de la muerte se desarrolla fuera del castillo de Hogwarts por primera vez desde que los tres amigos entrasen a aprender magia hace unos años. Dirigida por David Yates, es la película más oscura de todas las que se han realizado hasta ahora, con abundancia de elementos góticos y una atmósfera gris que ayuda a adentrar al destinatario en ese ambiente de preguerra que se empieza a palpar en el mundo mágico. En este contexto, existe una escena que por sí sola merece la pena toda la película y que narra el desahogo de Harry y Hermione de todo lo que están viviendo para su tan pronta edad. La escena del baile de los dos amigos.

Es una época de cambios. Ha llegado el momento en el que empiezan los posicionamientos y, pronto, se empezará a ver quiénes son los que están de un lado y quiénes del otro. Mientras tanto, Harry, Ron y Hermione se lanzan a la búsqueda de los horrocruxes, los pequeños objetos en los que Voldemort esparce los siete trozos de su alma, con la idea de destruirlos en nombre del malogrado Dumbledore, que antes de morir legó a los chicos unos valiosos objetos: a Ron un desiluminador, que desempeñará un importante papel, a Harry su inseparable capa invisible y la snitch dorada que capturó en su primer partido de quidditch, y a Hermione un libro de cuentos y fábulas de Beedle el Bardo. Estos elementos constituirán una línea de seguimiento del argumento en toda la obra.

No obstante, esta película (o libro) no se centra tanto en los chavales, sino que también deja un importante lugar al contexto en el que se encuentran. Los mortifagos han tomado el ministerio de Magia y están obligados por el Señor Tenebroso a llevar a Harry Potter vivo ante él, el mundo está atestado de carroñeros, que buscan y secuestran en nombre de Voldemort tanto a magos contrarios al régimen como a muggles, catalogados por ellos como sangre sucia.

La película hace honor suficiente al libro –en toda la saga es así-, y no deja al libro a baja altura, sino que lo sigue bastante bien y respeta en todo momento el argumento y la secuencia de hechos, salvando algunas pequeñas licencias. Mucho más cargada de acción, como se preveía después de ver Harry Potter y el misterio del príncipe, la película nos deja una expectación grande ante la segunda parte y definitiva que se estrenará el año que viene por estas fechas y cerrará la saga.